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Comme beaucoup d’enfants, parmi mes jouets, j’avais un boulier compteur rouge, d’un rouge éclatant, j’avais appris à compter jusqu’à sept en additionnant les deux boules du dessus aux cinq du bas, c’était bien peu de chose, et puis, quelques additions et soustractions simplissimes sans bien savoir à l’époque combien ce système était séculaire et combien sophistiqué.

Ce qu’il y a de curieux, c’est que, partout sur la planète, là où les échanges se pratiquaient grâce aux rencontres sur les marchés ou dans les oasis, un système de calcul s’est installé spontanément. Babyloniens, Indiens de la civilisation de l’Indus, Étrusques. Mexicains, Romains, Chinois, ont mis au point un procédé, soit des cylindres de terre, soit une pierre poussiéreuse sur laquelle on gravait au stylet avant de l’effacer pour passer à d’autres transactions, soit à l’aide d’abaques, nom d’un outil servant à calculer.

Les Chinois ont mis au point, au treizième siècle le boulier compteur que nous connaissons sous le nom de Suanpan. Il se présente sous la forme d’un rectangle séparé à l’horizontale en deux parties. Sur chaque tige verticale, des boules coulissantes, deux en haut, trois en bas. Chaque colonne, en partant de la droite, représente les unités, les dizaines, les centaines.

On parle déjà de ce genre de boulier sous la dynastie Han (de 206 avant JC à 220 après JC). Et il commence à être représenté sur des rouleaux de peinture sur soie, dès la dynastie Tang (618-907).

C’est donc un objet courant qui ressemble pas mal au boulier romain; l’un a sans doute inspiré l’autre… Et c’est à cette époque que le Zéro a été introduit lors des contacts des marchands chinois avec les voyageurs et mathématiciens indiens et musulmans.

Ce boulier que nous connaissons encore aujourd’hui, n’est pas relégué aux oubliettes, loin de là, et on a pu constater que pas mal d’hommes d’affaires en Chine, au Japon et ailleurs continuent à vérifier au boulier compteur les sommes données par leurs calculettes les plus sophistiquées soient-elles… Les premiers matches opposant des 1945 opérateurs japonais de bouliers compteur contre calculettes ont été gagnés par les premiers, par un score de 4 à 1.

Récemment un ministre français observant le niveau assez médiocre de certains élèves en maths recommandait l’initiation de la discipline, dès la maternelle, par l’usage intensif du boulier beaucoup moins rébarbatif pour les petits, que l’apprentissage brutal par des chiffres abstraits.

Ce retour d’un objet qui a fait ses preuves et installé ses différences depuis des siècles serait bien sympathique. Il a déjà tant voyagé, que d’aventures il a connu en passant d’une région, d’un continent à l’autre.

Vers 1400 de notre ère, le Suanpan ou boulier chinois, a pris, en Corée, le nom de Jupan. Et, au Japon, on l’a nommé Soroban. Et chacun de ces pays y a apporté des variantes.

Mais partout, ils sont appréciés pour l’enseignement didactique de base d’expertise au calcul mental.

Et qui sait si ce petit objet, si vénéré encore, ne reviendra pas en force en cas de pénurie de certaines matières indispensables à la fabrication des calculettes ? Sauvetage ironique, non? Le passé viendrait au secours de l’avenir !

Dès l’Antiquité, des hommes, des femmes peut-être, ont imaginé de peindre de petits morceaux de verre, « de l’autre côté », à l’aide de pigments délayés à l’huile ou à l’eau.

Ainsi, on a retrouvé à Pompéi un portrait de jeune homme étonnant de présence dont l’expression des yeux rappelle les visages du Fayoum.

Petit rappel: en effet les fouilles archéologiques de la ville de Fayoum, non loin du Caire avaient fait connaître en 1887 des visages peints aux grands yeux ouverts, intercalés dans les bandelettes des momies pour en indiquer l’appartenance, premiers portraits funéraires sans doute… Le visage du jeune homme emprunte le même procédé.

Tout cela, date du premier siècle avant JC.

En même temps, apparaît une autre technique, « l’eglomise » qui consiste à fixer une mince feuille d’or ou d’argent sous le verre à l’aide d’un vernis, ensuite le dessin est exécuté à la pointe sèche. On en trouve un exemple classique dans certains décors de la somptueuse Sainte Chapelle à Paris au Xlllè siècle.

La Renaissance, avec son jaillissement de découvertes artistiques, va accélérer au XVIè siècle, à Venise l’invention de verre enfin transparent.

D’autre part, la diffusion de gravures sur bois ou sur cuivre, a fait connaître aux artisans des tableaux de maîtres aux sujets variés qu’ils vont copier et leurs peintures sous verre limitées aux sujets pieux pour une clientèle ecclésiastique, va se répandre auprès d’une clientèle aux moyens aisés, avec des commandes « sur mesure ».

C’est l’époque des découvertes géographiques, et on est à l’affût d’objets exotiques à collectionner chez soi. Les ébénistes vont créer des meubles de présentation appelés « cabinets de collections » en ébène, en palissandre agrémentés par des insertions de bois de rose, de citronnier ou d’autres essences de bois précieux.

Et les portes et ouvertures à secret seront souvent incrustées de fixés -sous-verre aux sujets divers : angelots, fleurs, sujets érotiques, selon les commandes personnelles des riches mécènes qui se libèrent, petit à petit, des contraintes religieuses imposées jusqu’alors.

On a vu que le verre a atteint, à l’époque, de plus grandes dimension, ce qui va faciliter la production de portraits sur ce support. Ainsi, en Lorraine, le peintre P. Jouffroy, s’est fait rapidement remarquer par ses portraits princiers, tel celui de Christine de Saxe en 1762, dont on peut admirer encore les déclinaisons raffinées des couleurs de sa robe, un camaïeu de beige, paille et champagne, relevé par les tons bleu profond de sa cape enroulée.

Au dix-neuvième siècle, la diffusion du verre favorise l’installation d’ateliers de fixés-sous-verre, près des sites de verreries. Les sujets populaires s’opposent ou plutôt, rivalisent avec les portraits sophistiqués ou les images pieuses revenues en quantité sur le marché.  Cette production d’images vertueuses partie de Murano se répand partout, récupérée très vite par l’imprimerie ….

Les fixés-sous-verre se retrouvent dans le monde entier. En Asie, en Afrique dans une symphonie de couleurs éclatantes. Moins chers que des tableaux, on les retrouve sur les murs, sur des plateaux, des miroirs… Cette méthode de peindre introduite vers 1890 au Maghreb, parvient au Sénégal par l’intermédiaire des marchands arabes et berbères et par les lettres et marabouts musulmans.

La technique consiste à commencer par les détails et la signature avant d’aborder les fonds par les contours à la gouache et puis d’attaquer le centre. Certains artistes ont atteint la notoriété et font partie de l’école d’art de Dakar dont la réputation n’est plus à faire. Ainsi on peut acheter les sous-verre de Sea Diallo, M’Bida ou de la famille Gueye qui continue la tradition artistique de Papa Gueye avec bonheur. Les sujets d’inspiration sont infinis: vies de marabouts, du commerce des esclaves, de marchés colorés au village, assemblage stylisé de poissons dans les herbes, mamas épanouies en boubou et turban, gros plan sur drapés à la mode africaine, visages d’enfants au sourire éblouissant : un éventail de propositions positives !

En Chine, la méthode de peinture sous verre doit beaucoup à l’illustre père Jésuite

Giuseppe Castiglione (1688-1766) qui a jeté tant de passerelles entre l’Occident et l’Orient. Elles sont produites à Pékin, introduites à la Cour impériale, puis à Canton, le grand port commercial chinois d’où elles sont expédiées en Europe. Les sujets inspirés par des gravures françaises ou anglaises suivant les commandes vont bientôt, grâce à la mode des “chinoiseries” passer par des sujets” Reflets de Chine “ qui vont avoir au XIX siècle, un énorme succès. On y voit des scènes familiales dans des jardins éclairés aux lanternes, des courtisanes en tunique légère, des paysages fantastiques, des scènes de chasse, de guerre ou de mythologie qui constituent des collections particulières à l’étranger, très appréciées aujourd’hui encore.

Cette production fragile, a évolué dans son parcours et s’est transmise un peu partout en

Asie. On trouve des peintures sous verre au Japon, en Indonésie, chaque pays y ajoutant ses propres caractéristiques.

Il s’agit donc d’un art populaire qui a connu bien des échanges et des rencontres de cultures et qui mériterait une meilleure place.

L’engouement s’est calmé pour l’instant, mais on les rencontrait partout, ces daims graciles, ces biches aux yeux tendres, faits de bronze ou de cuivre, que les touristes rapportaient précieusement dans leurs valises, au retour de leur voyage en Thaïlande. Ils passaient la douane sans difficulté, alors que les grandes effigies de Bouddhas devaient être accompagnées de documents et cachets officiels, tant les vols internationaux de statues se multipliaient à une certaine époque.

Ils ont fait le bonheur des décorateurs d’intérieurs car ils les plaçaient aisément dans tous les styles, contemporains ou classiques. La beauté des motifs en forme de flamme entre les yeux et les flancs rehaussait l’élégance du port de tête, cette tête, tournée délibérément vers l’arrière… Et pourquoi ? Pour l’élégance de la pose ?

Parfois, les dames attachent colliers et bagues dans l’enchevêtrement des bois dressés vers le ciel… Mais l’objet mérite un meilleur sort. Il appartient à la croyance religieuse des Bouddhistes. La légende raconte comment le prince Siddhârta, le futur Bouddha, commença sa longue recherche du sens de la vie.

Cela s’est passé à Bodghaya, un des lieux saints de l’Inde, six siècles avant la venue de Jésus Christ. Après une longue méditation, Siddhârta comprit le pourquoi des souffrances humaines et atteint l’illumination.

Devenu le “Bouddha”, il donna son premier sermon à Sarnath, près de Bénarès dans un parc merveilleux peuplés de cervidés. Et c’est alors que biches et daims, charmés par le discours, ont tourné leurs têtes vers lui pour mieux entendre ses paroles suaves.

C’est ainsi que ces objets immortalisent la légende. Pour nous, c’est une belle histoire. Mais à Nara, au Japon, les biches et les daims sacrés évoluent librement autour des temples, les touristes les nourrissent avec enthousiasme depuis des siècles… Mais voilà, dernièrement, dès l’apparition du covid, l’absence de touristes a bouleversé la vie de ces daims. Privés de nourriture, ils sont descendus au centre-ville de Nara et se sont retrouvés dans le trafic, au beau milieu des voitures pour réclamer les attentions et les soins qui leur étaient réservés depuis des siècles.

Alors, les autorités nippones, avec beaucoup de respect, les ont ramenés dans le beau parc et se sont chargés de leur bien-être.

Les touristes qui reviennent petit à petit, continuent à pratiquer la distribution de nourriture et s’imprègnent de tolérance dans les yeux fendus des cervidés de l’Asie.

Notre mère Ève possédait-elle un miroir, une surface polie dans laquelle elle se mirait ? Un ruisseau, un étang limpide, dans un coin du paradis? Peut-être, peut-être pas. En tout cas, nous savons que les premiers miroirs datent de 6.000 ans avant notre ère. Ils étaient fait d’obsidienne, une pierre volcanique polie, et sont, pour ainsi dire, les ancêtres des miroirs de bronze ou de cuivre utilisés dès 4.000 ans avant JC en Égypte, Mésopotamie et en Chine.

Un inconvénient: leur oxydation rapide, Pline l’Ancien, fait allusion à de minuscules fragments de verre doublé d’une feuille de métal et les Romains mettent au point un alliage d’étain, de cuivre et d’argent pour la fabrication d’objets “à se mirer”.

Il faut attendre la Renaissance pour que les Italiens réussissent à recouvrir le verre d’un amalgame d’étain et de mercure, au risque de leur santé, pour créer des miroirs de petites dimensions, symboles de luxe et de richesse. Ils décorent la maison du salon à la chambre, et l’Europe entière se les arrachent. Motivés par cet immense succès, les Vénitiens parviennent à réaliser de grandes parois appelées “glaces”, dont la meilleure illustration est la spectaculaire Galerie des Glaces au Château de Versailles. Rien n’était trop beau ou trop cher pour le jeune Roi Louis XIV qui faisait appel à la meilleure équipe d’architectes (Hardouin et Mansart), décorateur (Le Brun) et jardinier (Le Notre) pour éblouir le monde entier.

Et l’exceptionnel va créer l’événement. 357 miroirs sont fabriqués à prix d’or par des ouvriers français de la Manufacture des Glaces fondée par le ministre Colbert pour combattre la prééminence de Murano. Les artisans italiens étaient alors les seuls à réaliser des miroirs de qualité et de dimension considérable. Aussi, vu leur réussite à rattraper leur retard, les Français interdisent l’importation des produits vénitiens dès 1672.

Le miroir restait un objet de luxe, apanage de l’aristocratie, symbole de réussite sociale et de puissance. Il a fallu attendre le dix-neuvième siècle,1835 plus exactement, pour que Justus Liebig, un chimiste allemand, remplace l’amalgame toxique, étain-mercure, par une couche d’argent sur le verre pour le rendre opaque. La commercialisation du procédé entraîne une immense demande. Tous les foyers peuvent s’offrir un ou des miroirs à prix abordable. La grande folie bourgeoise est la Psyché, un miroir monté sur châssis à piétement, ce qui permet enfin de se voir en pieds.

Et, suite à la hausse du niveau de vie, on les retrouve partout, de la cheminée du salon à la salle de bain et dans les chambres. Ils sont produits en masse pour satisfaire à la demande.

Avec le temps se développent des motifs de décoration multiples. Miroirs bombés ou sorcière au Moyen-Age, encadrés de bois chantourné, doré à la feuille, laqué, en stuc, en papier mâché; ils reflètent aussi l’histoire dans son actualité comme les miroirs “retour d‘Égypte” sous Napoléon premier… Ils défendent une époque aussi : Art Déco, Art Nouveau, Baroque ou Romantique.

Et aujourd’hui ?

Et bien le miroir a dépassé son but de refléter sa propre image afin de se recoiffer, de s’adapter, de se retrouver aussi. Il est devenu accessoire de décoration, pour agrandir une pièce, y apporter lumière, originalité. Qu’il soit coloré violet, rose gold, carré, rond, il est tendance. On en tapissé des murs, par accumulation de tous les styles.

Il a dépassé sa fonction première, et c’est très bien ainsi.

Depuis quelques années, l’ivoire fait face à de nombreuses difficultés d’écoulement. Les associations de protection des espèces en voie de disparition, en ont freiné la vente, en imposant aux gouvernements des règlements bien précis en ce qui concerne la date de fabrication des objets présentés.

Dépassée la mode coloniale des altières défenses d’éléphants exposées tristement dans le salon, sur la cheminée et les vitrines des ex-coloniaux.

L’ivoire, autrefois, qu’il s’agisse de l’ivoire africain, indien, ou fossile quand il s’agit du mammouth, de l’hippo ou du narval, était doté de propriétés extraordinaires: il rendait le poison inoffensif.

Une des premières statuettes en ivoire venues du paléolithique jusqu’à nous, est cette tête de fillette, provenant de Bassemproy, dans les Landes.

Tout autour du bassin méditerranéen, depuis le sixième siècle avant J.C. le travail de l’ivoire s’est affiné rapidement en Grèce et en Égypte. On parle encore de l’extraordinaire statue de Zeus sculptée par Phidias vers 436 avant notre ère. Haute de 13 m, elle imposait sa présence à Olympe. Merveille d’ivoire pour le torse et le visage surmonté d’un ruissellement d’or, pour les cheveux et la tiare ainsi que pour le drapé installé sur le trône de la divinité. C’est la première réalisation d’une statue chryséléphantine, considérée avant sa disparition, comme la troisième merveille du monde.

Elle était donc réalisée en or (Chrysos) et en ivoire ( Elephantinos).

Les Romains ont hérité des Étrusques l’usage des diptyques, ces tablettes sculptées offertes par les consuls à l’empereur.

La période carolingienne se consacre avec bonheur aux sarcophages et objets religieux. Elle fut suivie d’un glissement vers l’art profane.

Venise, au Moyen-Âge, prend sa place de plaque tournante pour le commerce de l’ivoire et sa diffusion en Europe. Mais Paris s’est toujours approvisionnée à Dieppe et à Rouen. Coffrets et râpes à tabac ont acquis rapidement, une renommée internationale.

Au dix-septième siècle, l’esprit baroque triomphant donne naissance à une production explosive de crucifix expressifs et de hanaps de grande dimension tout à fait remarquables.

Ensuite Anvers, Hambourg, Amsterdam et Nuremberg prennent avec brio le relais comme centres de commerce et de production d’ivoires de première qualité avant un déplacement de ces activités vers Londres, au dix-neuvième siècle.

L’art Déco va donner une place de choix à la statuaire chryséléphantine. Toujours très recherchée dans les ventes actuelles. En fait, il s’agit la plupart du temps de l’insertion, non pas d’or mais de bronze coloré dans de charmantes figurines d’ivoire.

Le plus connu des sculpteurs de ces œuvres exquises de féminité est Demeter Chiparus qui exerçait à Paris entre 1914 et 1933. Venu de Roumanie, il se spécialise dans des sculptures d’inspiration exotique de danseuses assises ou debout, de créatures en mouvement comme “Le lanceur de javelot “ ou les “ Dolly Sisters” hommage à la féminité et à la grâce innée. Très recherchée actuellement encore, sa production atteint des prix élevés et, comme toujours, a été copiée, très habilement d’ailleurs, c’est pourquoi il est nécessaire d’avoir une bonne expertise ou de bons conseils d’experts, avant achat.

L’ivoire, matière lisse, aristocratique, a, de tous temps, été convoitée par les collectionneurs. Les admirables figurines chinoises, ainsi que les boules transparentes tellement elles sont ajourées, les petits animaux africains taillés au “Congo belge” de façon artisanale, et qui sont à nouveau en vogue, les Netsuke ces contrepoids japonais destinés à retenir dans la ceinture les objets de la vie courante; quand ils sont signés par l’artiste, peuvent atteindre de fortes cotes. Certaines signatures sont même célèbres. Par contre, comme ce petit objet plait beaucoup par son originalité, il est fabriqué de façon industrielle à Hong Kong, en résine et reste à la mode.

Parmi les ivoires recherchés, il y a les indo-portugais de Goa. Introduits par les Jésuites, les Saints, les Vierges ont été produits et interprétés par des artistes locaux, qui, tout naturellement, ont “indianisé” les visages. Ce qui les rend beaucoup plus intéressants. Et beaucoup plus coûteux !

Également en hausse : les corps féminins sculptés en petit format, présentés par les médecins aux femmes en souffrance pour qu’elles puissent indiquer avec pudeur sur quelle partie du corps il conviendrait de se pencher afin d’améliorer leur état.

Enfin, méfions-nous des ventes d’ivoire à prix cassé. Si la matière est rugueuse, légère, sans traces de lignes parallèles c’est sans doute de l’os ou de la résine. Et celle-ci, piquée avec une aiguille chauffée, peut fondre en un instant !

Aujourd’hui encore l’ivoire reste une matière noble, lisse et recherchée qui a inspiré de grands sculpteurs, particulièrement en Chine, au dix-huitième siècle pour la demande impériale.

Et, bien entendu, ce sont ces pièces-là que les Chinois contemporains récupèrent dans les ventes internationales de prestige.

Avec les prémices du printemps, la transhumance s’annonce à grands pas. Cette migration poétique des bovidés, ovins, équidés ou cervidés vers les purs alpages, remonterait, dit-on à quatre mille ans. Son récent classement à l’inventaire culturel, en freinera-t-il l’extinction au profit du transport en camions, pratiqué déjà au nom de l’économie ?

Les éleveurs sont très attachés à cette tradition et l’événement est célébré avec faste. A ce moment, les dames ressortent leurs robes provençales et jupes brodées qui invitent à la danse ethnique autour de comptoirs et d’étals où s’installent avec fierté les produits du terroir que de nombreux touristes s’empressent de déguster.

L’animation qui attire les vacanciers, se prolonge parfois par des “combats de reines” dans toutes les régions alpines, suivis de la remise d’un bouquet de fleurs, flanqué entre les cornes de la reine du “lait”. Ainsi désigne-t-on, la vache la plus reproductive de l’année.

Et puis, c’est le grand départ au son des toupins, clarines et sonnailles.

Le Toupin ou grosse cloche, est porté par les dominants pour les empêcher de brouter le long du chemin et de batifoler dans l’herbe.

Et puis, il y a les clochettes clarines, en bronze ou en alliage de métaux ; les sonnailles, plus légères, au son plus mélodieux que les mi basses et basses.

Ces cloches ont plusieurs fonctions; elles servent à retrouver le bétail qui s’égare en broutant sur de grandes étendues et aussi elles feraient fuir les prédateurs, les loups et les ours. Un dicton ancien encourageait le port des cloches pour éloigner le mauvais sort, les serpents et les orages.

Et les bovins dans tout cela ? Et bien ils perçoivent les ultra-sons, comme un danger.

Moins sensibles aux sons graves des toupins, on pense, par contre, qu’ils connaissent bien la voix de leurs éleveurs et certains de ceux-ci reconnaissent une vache par le son de sa clochette. Ils peuvent en juger l’éloignement et l’imminence d’un danger.

La fabrication d’une grosse cloche remonte au Moyen-Âge par moulage ou forgeage, à partir d’un alliage de bronze fondu que l’artisan coule dans un moule. Les sonnailles sont faites de deux moitié de tôle chauffée, martelée, puis soudée. Souhaitons longue vie à ces artisans, car on sait bien que ces cloches peuvent être remplacées aujourd’hui par un GPS fixé dans le collier des bovidés. A la grande satisfaction de ceux qui n’aiment pas, outre le chant du coq, la musique des cloches, le charme des sons faits de notes basses et hautes, qui s’amenuisent dans la plaine au gré de l’éloignement.

Jadis, il paraît que l’éleveur enlevait les cloches du cou des vaches, pour signifier alentours un deuil dans sa maison.

Encore une pratique oubliée, modernisme oblige.

C’est une affaire sérieuse, un tire-bouchon ! De par son âge d’abord: il aurait quatre siècles car ce petit instrument destiné à ouvrir “la dive bouteille” annonciatrice d’un moment de détente délicieuse, est inspiré du tire-balle, cette mèche vrillée servant à nettoyer le canon des armes à feu !

Quel amusant paradoxe.

Son origine remonte donc au XVII siècle. Poussés par la nécessité de briser le scellement d’un bouchon de liège dans le goulot d’une bouteille, les armuriers anglais, de Birmingham et de Londres, ont cherché à manipuler le tire-balle. Grands importateurs de vins de tous pays, ils avaient remarqué que le Bordeaux ou le Porto voyageaient mieux en bouteilles qu’en barriques car ils subissaient moins les attaques de l’oxygène. Mais comment fermer ces flacons soufflés à la main, si élégants et si fragiles ? 

Ils ont tout essayé: insertion de languettes de bois à la mesure de l’étroitesse du col, cernées d’étoupe imbibée d’huile et cachetées à la cire, puis ils sont passé au bouchon de liège mais l’étanchéité en empêchait l’ouverture.

C’est ainsi que les membres de la guilde des armuriers londoniens ont adopté le tire-balle remanié.

Celui-ci était doté d’une hélice pour récupérer la balle coincée. Les premiers tire-bouchons ressemblaient à l’ouvre-bouteille en forme de “t”, un simple manche de bois monté sur une vrille, l’invention s’est répandue dans le monde à toute vitesse vu son grand avantage. Quelle ingéniosité!

En 1795, un certain Henshall, un religieux venant d’Oxford, s’est allié à Boulton pour commercialiser le tire-bouchon. Ils ont obtenu le précieux brevet et mené ainsi une opération financière fructueuse. L’instrument s’était déjà perfectionné par l’insertion d’un disque concave entre poignée et ver pour empêcher l’utilisateur de visser trop loin dans le liège en brisant le scellement et, souvent, le goulot.

Ce tire-bouchon, parfaitement efficace, a été utilisé pendant plus de cent ans. Un autre anglais a inventé le tire-bouchon zig zag et les brevets se sont enchaînés.

Le fameux “Charles de Gaulle “ remonterait à 1888; il est anglais, lui aussi. La paire de leviers qui montent tandis que la mèche s’enfonce dans le bouchon évoquerait pour certains petits plaisantins les longs bras du grand Charles s’agitant dans les hauteurs lors de ses discours.

On ne compte plus les perfectionnements et les ajouts fantaisistes apportés partout dans le monde à cet outil si bien accueilli, baptisé aussi le sommelier, le limonadier, le screwpull, le bilame, le “couteau” du sommelier.

En 2019, un collectionneur américain, a déboursé trente mille dollars pour un tire-bouchon du XIX siècle, un modèle Thomason, breveté en 1802, équipé d’une vis double.

Encore une collection, dont le nom est étrange: l’hélixophilie ou la pomelkophilie, qui peut amener l’amateur passionné à de douces folies.

Le jade, connu en Chine depuis la période néolithique, apprécié pour sa dureté, a servi à la confection de haches de 5500 à 4500 avant J.C.

Il faudra l’invasion des conquistadors espagnols pour qu’il arrive en Occident au XVI s. Très intéressés, car ils en avaient appris les propriétés thérapeutiques, ils lui ont donné le nom de illada ou “la pierre pour la fosse iliaque” c’est-à-dire” la guérisseuse “ car, selon les croyances Maya, elle guérit des coliques néphrétiques et des maux de reins ou du colon. La pierre chasse aussi le mauvais esprit qui amène la confusion des genres.

Jade et Néphrite ont la même origine : Nephreticus en latin, signifie “La pierre du flanc”, référence à nouveau à son utilisation pour soigner les maux corporels.

Il y a trois sortes de jade, souvent confondues, on en fait un amalgame. On les assimile au “faux jade” responsable de tant d’arnaques. Issus de trois minerais, la jadéite, la néphrite et le kosmochlor se ressemblent à quelques nuances près: la Jadéite est dense, dure, c’est un silicate de sodium d’aluminium; la Néphrite est composée de silicate de sodium et de magnésium, elle est beaucoup plus facile à travailler lorsqu’il s’agit de façonner des objets d’arts et de la joaillerie, c’est la plus employée et la plus connue. Enfin, le Kosmochlor ou Jade impérial (silicate et chrome) produit un jade superbe dont la couleur émeraude a donné des créations sublimes d’objets d’arts et de bijoux réservés aux dynasties de la Chine impériale.

Où se trouve ce précieux minerai ? Un peu partout, en Russie, Chine, Kazakhstan, Nouvelle Zélande, Canada, Guatemala, Birmanie et, découverte de 2020, dans les Alpes Italiennes. Sa gamme de couleurs est surprenante. Elle évolue du blanc au noir, en passant par un camaïeu de vert, olivâtre, absinthe, jusqu’au brunâtre, avec, parfois, une touche de rose tendre.

Le jade adulé des Chinois, le vert impérial, vient souvent de Birmanie. Il est extrait dans des conditions souvent pénibles, sans beaucoup de moyens. Rappelons-nous l’accident et la mort de 174 ouvriers dans un effondrement de gisement en 2021.

Si le jade a été apprécié un peu partout grâce à la lithothérapie, c’est en Chine, depuis des temps ancestraux, qu’il a atteint le statut de pierre impériale, accompagné d’un cortège de légendes fondatrices de l’Empire du milieu. Ainsi, ce serait NUWA, créatrice du monde, qui, constatant des fêlures dans le dôme céleste, les aurait colmatées en broyant cinq pierres de couleurs différentes, la poussière obtenue aurait recouvert la terre pour y créer un monde de magnificence et le Jade est apparu pour écarter le mal. Il s’associe à l’empereur qui porte le sceptre de jade lors des cérémonies officielles. Des tablettes du même minerai sont distribuées aux cinq rangs de princes. Malheur à eux s’ils en font mauvais usage : si la tablette est détériorée, ils sont destitués.

Le jade est synonyme de pureté, de clarté d’esprit, de tolérance et, surtout, il protège des esprits négatifs.il joue donc un grand rôle dans les rites funéraires. A leur décès, les Empereurs avant les Han, étaient revêtus d’une tunique faite de milliers de plaquettes de jade réunies à l’aide de fil d’or. Les hauts dignitaires y avaient droit également mais les plaquettes étaient assemblées par des fils de soie. L’idée était de protéger la dépouille de la putréfaction. D’autre part, on plaçait dans la bouche du mort une cigale de jade, symbole de la résurrection. D’ailleurs les 9 orifices du corps étaient bouchés par des languettes de la précieuse pierre si appréciée par Confucius.

Les Portugais au XVI s. en ont compris l’importance au niveau thérapeutique et symbolique. Ils ont réalisé des objets d’art somptueux, Les Grecs l’ont apprécié pour les soins des reins et des yeux. En France, au XVIIème siècle, les lettres de l’Hôtel Rambouillet en clamaient la beauté et l’utilité d’un bracelet de jade pour soigner les douleurs néphrétiques.

Aujourd’hui encore, il est dit que les hommes d’affaires ne dédaignent pas de caresser un galet de la Pierre magique, dissimulé aux regards, lors de grandes transactions, afin de garder son honnêteté en toutes circonstances.

Aujourd’hui, les Chinois récupèrent dans les grandes ventes à New, York, Hongkong, Londres et Paris les chefs d’œuvres exportés partout depuis la création de la compagnie des Indes, particulièrement, les pièces provenant des dynasties impériales Ming et Ching.

Il est parfois difficile de ne pas se faire arnaquer car le “faux jade” inonde le marché. En effet l’Antigorite, une serpentine chauffée et colorisée, se substitue avec brio au Jade pur. C’est à l’aide d’instruments spéciaux que les gemmologues détectent les supercheries impossibles à deviner à l’œil nu. Certains faussaires sont parvenus à copier les plus belles réalisations en matière de bijoux. Aujourd’hui le marché du jade se porte bien pour les pièces de grande valeur. Ainsi la Maison Cartier a racheté dernièrement, pour sa collection particulière, le collier de jade impérial, commande réalisée par eux longtemps auparavant pour Barbara Hutton, richissime petite fille du fondateur des magasins Woolworth aux États-Unis. Vingt-sept boules parfaites d’un même bloc de jade, adjugé 27,44 millions de $. Un record pour un bijou de jadéite, mais quelle beauté !

Au dix-huitième siècle, la femme élégante garnissait sa table de toilette de “bouteilles de senteurs.” On en était, à cette période au goût anglais; la porcelaine de Chelsea, très à la mode, s’ornait d’oiseaux, de grotesques ou de fleurs, pour le plaisir des yeux. Peu après les fabriques françaises de Mennecy et de Vincennes ont produit de petits récipients exquis de féminité, en pâte tendre. Pour quels parfums?

Les grands parfumeurs ont vu le jour à la fin du siècle dernier, en 1774, Guillaume Dissey est le premier répertorié, suivi par Houbigant en 1775 et Lubin en 1798. Paris est devenue la capitale de la parfumerie, et c’est alors que le flacon pour parfumeur a vu le jour.

Deux grandes cristalleries, Baccarat et Lalique ont mis leur esprit de création, leur talent, leur technique, à l’habillage de ces menues fiasques taillées en creux, en relief ou à l’acide dont les formes se sont multipliées sans limite. Carrées, corsetées, damasquinées, émaillées, à angles vifs et surface polie, follement baroques au second Empire ou sages et lisses afin de réserver au bouchon toute l’exubérance de l’imagination, le maître-verrier Lalique, le premier, les a créés à la demande de Coty en 1908. L’idée originale a fait recette et d’autres parfumeurs l’ont suivi.

Hélas, il était rare à l’époque de garder les flacons qu’on ne considérait pas comme œuvres d’art. Une fois vide, la fiole était jetée avec le souvenir. Certaines femmes avisées les ont gardées et aujourd’hui s’organisent des ventes, chez Drouot à Paris, de flacons anciens et de flacons à sel. Suivant la signature et l’état de conservation des flacons anciens, surtout s’ils sont encore scellés, les cotes s’envolent. Il y a peu Le JOY de Patou s’est vendu 1172 € et le fameux No 5 de Chanel, si cher à Marylin Monroe, à presque 2000€. C’est le sublime IMPÉRIAL MAJESTY, édité par le groupe Clive Christian à 10 flacons seulement en cristal baccarat, décor 18 carats, incrusté d’un diamant de 5 carats, qui a été acquis par 7 richissimes collectionneurs au prix de 200 000 € l’unité en 2005. Les trois autres voyagent autour du monde comme collection privée de Clive Christian.

S’il est rare d’avoir un flacon dont le bouchon unique a pu s’orner du design de la couronne de la Reine Victoria, il en est d’autres dont les charmes sont appréciés par la gent féminine et ce genre de collections est toujours à la mode. Et, qui sait, en fouillant chez vous, peut être découvrirez-vous quelques Shalimar en vasque bleue ou le fameux Tabou ou encore Soir de Paris, qui ont connu de si beaux jours à une époque plus lointaine et bien charmante aussi. A l’heure de la verrerie automatique où le verre en fusion est projeté dans un moule par pneumatique, comment ne pas s’extasier sur l’œuvre de ces joailliers du cristal pour qui chaque flacon était l’objet de l’union raffinée entre contenu et contenant, pour le plaisir des sens.

Quel est le rapport précis entre Céladon et Guéridon ?

Eh bien, ils évoquent tous les deux d’aimables éphèbes à la tournure séduisante surgissant du même siècle, le dix-septième. Céladon le berger aux rubans verts, appartient à la comédie “Astrée” et a donné son nom à un type de céramique née en Chine et très appréciée en Occident pour ses nombreuses nuances de couleur verte, infiniment délicates.

Guéridon aurait été un esclave noir très courtisé à la Cour du Roi Soleil qu’il accompagnait en tenant des flambeaux. Cette origine assez brumeuse se confond peut-être avec celle, reconnue par l’histoire, d’un prince africain protégé par l’entourage royal, baptisé, et éduqué, dans l’espoir d’en faire un vassal du roi dès son retour au pays. En effet on le voyait se balader en toute amitié avec Louis XIV, entourés tous deux de candélabres portés.

Guéridon, avec le temps, est devenu une table à un seul pied dessiné et sculpté sous la forme d’un esclave maure. Cette table ronde a évolué, sous Louis XVI on y a ajouté de trois à cinq pieds et un plateau, afin d’y jouer aux cartes. Sous l’Empire, en bois doré, elle était très à la mode, et le style Napoléon Ill l’a ornée des thèmes favoris, fleurs de couleurs vives et burgau irisé.

Le dix-neuvième siècle produit des guéridons tripodes en chêne, en acajou, en poirier et salue l’entrée du Modern Style, une création originale, révolutionnaire, proche de la nature, née de l’imagination fertile de Majorelle, Guimard et d’autres, qui ont conçu de petits meubles exquis. Légers guéridons qui s’intègrent entre deux fenêtres, dans les appartements Haussmann qui nécessitaient un ameublement adapté à leur dimension nouvelle et à un concept plus bourgeois.  Le guéridon nouveau présente souvent deux plateaux de forme sinueuse en forme de pétales ou de feuilles. Il est marqueté ou pyrogravé de motifs floraux. Le spiritisme qui aime faire tourner les tables en fait grand cas, car il est très maniable.

Quant aux céladons on peut se demander pourquoi une porcelaine chinoise à l’origine, avant d’être copiée par la Corée, est encore définie actuellement par l’évocation de rubans portés par un berger romantique sorti d’un roman d’Honoré d’Urfé au dix-septième en France ?

La raison en est le succès foudroyant du livre et de cette couleur qui correspondait aux importations de vases et de vaisselle précieuse venant de lointaine Chine et qui fut baptisée du nom à la mode du jour: CELADON.

En chinois, QUINCI, est une glaçure apposée sur un grès, dont le ton vert bleu rappelle parfois le Jade, symbole de l’Éternité. Ce qui explique cette renommée mondiale.