Tous les billets

Dans un billet précédent, j’avouais que j’étais incapable de définir le street art. Pourtant, les œuvres sont de plus présentes dans nos villes, non seulement sur les murs en déshérence mais dans les meilleures galeries des villes-monde, dans les salles des ventes prestigieuses, dans les musées. Les raisons de cette difficulté sont simples : le street art est un art relativement récent ayant moins d’un demi-siècle d’existence, la variété des œuvres et des supports ne se laisse pas « contenir » dans une définition unique. Parmi ces supports, il en est un qui ne recueille guère mon intérêt : les stickers. Je n’ignore pas que ses amateurs sont nombreux, réunis par des groupes sur les médias sociaux. Néanmoins, je souhaite vous présenter Les Francs Colleurs car leur projet artistique est original et innovant.

Les Francs Colleurs est le nom générique d’un collectif d’artistes réunis à l’initiative du 9^ème concept. Il regroupe depuis 2015 une cinquantaine d’artistes qui ont choisi de s’exprimer en acceptant la contrainte formelle d’une goutte japonaise. Les gouttes d’eau peuvent être collées seules ou le plus souvent composer de savantes mosaïques. Un colleur peut coller quelques gouttes qui seront complétées par d’autres gouttes. L’œuvre personnelle (la création de la goutte) devient projet collectif.

Si la composition collective est belle, il convient de regarder de près chaque goutte. Elles pourraient être des fresques. Elles portent témoignage de l’imaginaire de l’artiste et sont caractéristiques de son style. Voilà pourquoi les gouttes sont toutes différentes, porteuses des univers graphiques des artistes.

De plus, les Francs Colleurs  avec le concours de Radar ont conçu une application pour smartphone qui permet de voir les gouttes en réalité augmentée en ciblant une goutte particulière à travers l’objectif photographique.

Comme on le voit Les Francs Colleurs n’ont pas détourné le sticker mais utilisé certaines de ses caractéristiques pour développer un projet d’intervention urbaine dont la réussite est patente.

A l’initiative d’une association, des street artists ont décoré le quai 36 de la gare du Nord à Paris. L’association nommée pour la circonstance « Quai 36 » a invité des artistes intervenant tous dans l’espace urbain mais ayant des styles et des techniques fort divers. Ainsi, cette « exposition » donne une image de ce qu’est aujourd’hui le street art en France.

Parmi les artistes invités, un pochoiriste bien connu de la scène artistique, Artiste-Ouvrier. A cette occasion, il a peint une fresque donnant une idée relativement juste de son talent et de ses thèmes de prédilection.

Le pochoir est remarquable, tout d’abord, par ses dimensions. Il est haut comme le mur du quai, environ 6 mètres, et large de 4 mètres. Dans un précédent post consacré à l’immense pochoir de Jef Aérosol surplombant la fontaine Stravinsky, nous avions vu que l’autoportrait de l’artiste couvrait une surface de plusieurs dizaines de mètres carrés. A vrai dire, techniquement, le pochoir n’est pas limité dans ses dimensions. S’il peut avoir la surface des cartons servant de caches (de A5 à A0 et même plus grands), des artistes ont décomposé leur pochoir en plusieurs pochoirs de plus petites dimensions. Par ailleurs, si le carton est le plus souvent utilisé, d’autres matériaux peuvent le remplacer, changeant radicalement les limites liées à sa dimension. Il suffit d’observer attentivement l’œuvre pour s’apercevoir que des motifs sont répétés mais leurs couleurs sont différentes. L’artiste utilise des « petits pochoirs » et reproduit le motif en fonction de son projet global. J’en donnerai un exemple : les arbres formant trois étages différents de la fresque ont été peints avec les mêmes pochoirs. En fait, l’œuvre est composée de plusieurs dizaines de « petits pochoirs » juxtaposés. Quant à la mise en peinture, elle est particulière et se différencie d’autres pratiques. Il faut ici faire référence à une façon de faire, inventée par Artiste-Ouvrier, développée par d’autres pochoiristes autour d’Artiste-Ouvrier, le WCA (Working Class Artist). Dans une correspondance échangée avec Artiste-Ouvrier, il décrit de manière précise cette technique : « Dans les WCA officiels qui ont appris ma technique et qui l’utilisent pour affirmer leur style personnel,  il y a : JANA et JS, ADEY, OBI HOOD... Du moins pour ceux qui sont toujours actifs. Il existe de nombreux articles qui parlent de la technique WCA qui consiste à utiliser deux pochoirs et jamais plus pour un motif : le pochoir des ombres et le pochoir des lumières. Cela implique une découpe particulière pour interpréter une photo ou un tableau classique en couleurs en deux versions différentes mais bichromes qui, combinées à de la peinture à mains libres dans les fonds, permettent d’assombrir ou d’éclaircir à volonté et donc de revenir sur l’ouvrage autant que l’on veut jusqu’ à obtention d’un résultat satisfaisant - du moins de façon subjective!- Mosko utilisait auparavant plusieurs pochoirs, un par couleur, mais depuis quelque temps il utilise seulement le pochoir des noirs et peint le reste des couleurs à la main et même au pinceau! Ce qui donne un résultat beaucoup plus vivant. »

Si nous comparons les pochoirs de C 215 (cf : les deux posts que j’ai consacrés à cet artiste) et ceux d’Artiste-Ouvrier, le rendu est très différent. Deux « écoles » de pochoiristes français semblent apparaitre ; des artistes comme Jef Aérosol, Guaté Mao qui sont dans la forme proche de C 215,  et les pochoiristes du WCA.

Il se dégage du pochoir d’Artiste-Ouvrier une sensation d’étrangeté. Ce sentiment est, à mon sens, lié à deux caractères de l’œuvre : la récurrence des motifs intégrant une variation de la mise en couleurs, le mélange de motifs n’ayant pas de traits communs. La reproduction n’est pas une solution de facilité ; elle est constitutive de l’œuvre. La théorie des petits êtres aux oreilles pointues, répétée, interroge le spectateur. Ce sont les mêmes pourtant distingués par leurs couleurs. Les motifs sont des « interprétations » de tableaux, de gravures ou d’illustrations. Ils évoquent des scènes médiévales proches de l’inspiration de Gustave Moreau, des représentations empruntées à la culture de l’Inde etc. Il est vain de chercher un thème fédérateur entre tous ces motifs. Ils sont volontairement mêlés pour créer, par leur juxtaposition, un monde d’images tirées de l’imaginaire de l’artiste. La plus grande partie des motifs  a été utilisée par Artiste-Ouvrier dans d’autres œuvres. Cette manière de « changer la distribution des cartes » ouvre des espaces quasi illimités dans la création. Le « fonds » de pochoirs étant constamment enrichi par le pochoiriste, il dispose d’une très large palette pour composer de savantes images et donner libre cours à sa créativité.

Artiste-Ouvrier, inventeur et promoteur d’une technique de mise en couleurs du pochoir, a, de façon décisive,  enrichi les possibilités plastiques et esthétiques d’une technique ancienne et permis au pochoir de dépasser des limites. Des limites dans la création proprement dite, des limites dans les dimensions des œuvres. Constamment en recherche, il ne cesse d’expérimenter, d’innover encore et de partager.  

C 215 est une des figures les plus connues du street art français parce que,  pochoiriste,  il a apporté à cette technique de très notables améliorations qui ont fait école. Si ses « petits » pochoirs sont aujourd’hui connus et reconnus dans le monde entier, son travail de muraliste a été moins commenté. Pourtant, là aussi, il excelle. Je prendrai un exemple démonstratif : la grande fresque qu’il a peinte  rue Pelleport dans le 20^ème arrondissement de Paris.

La démarche qui a abouti à la création de la fresque est intéressante. Une association de quartier, Môm’Pelleport a sollicité C215. Le projet  a été financièrement soutenu par la mairie de l’arrondissement et le bailleur social, propriétaire du mur, I3F. Dans un premier temps,  C 215 a présenté son travail aux enfants et il les a photographiés maquillés sur des thèmes chers aux gamins du quartier : la fête d’Halloween, les super-héros, les clowns. Les artistes en herbe ont, dans un second temps, choisi les « meilleures » photographies. Elles ont été présentées aux habitants de l’immeuble social sur le pignon duquel C 215 devait peindre sa fresque. Ils ont choisi les photographies dont l’artiste devait se servir pour fabriquer ses pochoirs. 4 portraits furent retenus à la fin de cette consultation, deux de garçons, deux de filles.

La grande fresque est le somme des quatre pochoirs des visages des enfants. Les espaces entre les pochoirs et autour des pochoirs sont peints avec des bombes aérosols formant un décor très coloré. Les visages forment un triangle irrégulier rappelant la forme du mur. Ils sont groupés pour constituer un centre bien visible pour les passants pénétrant dans la rue Pelleport. Dépassant de la ligne des plantations des espaces verts de l’immeuble, la fresque est un signal lumineux évoquant la jeunesse, le plaisir des enfants de se déguiser, l’enthousiasme qu’ils apportèrent à la réalisation du projet. Leurs maquillages renvoient à deux univers graphiques : celui des clowns (les nez rouges, les joues rouges de l’Auguste…), celui des super-héros de Marvel et de DC Comics (les « cicatrices », les « encadrements » des yeux…). A ces modèles prégnants s’ajoute une fantaisie propre à l’imaginaire enfantin. Fortement structurée par une puissante géométrie, colorée de teintes vives aussi bien dans les portraits que dans le décor, la fresque atteint l’objectif qui lui était assigné : affirmer l’identité artistique de l’association et apporter à cette entrée de rue la « gaité » qui lui faisait défaut.

Ce mur montre à l’évidence que le pochoir n’est plus limité par la surface des cartons (nous l’avions déjà vu avec l’immense pochoir « Chut ! » de Jef Aérosol, mais aussi avec la grande fresque d’Artiste-Ouvrier, Quai 36).

Par ailleurs, nous pourrions nous interroger sur le choix d’un pochoiriste pour « décorer » un mur. Je pense que la peinture au pochoir a  un aspect particulier qui ne ressemble en rien à d’autres techniques de peinture (voire d’impressions ou de reprographie). Par définition dirais-je, cela consiste à projeter avec une bombe aérosol de la peinture acrylique sur un carton (ou un autre support) qui parfois masque le jet de peinture (forme une réserve) et parfois laisse passer la peinture. Si l’artiste est suffisamment adroit, les contours des formes peintes sont d’une grande netteté et les zones peintes sont séparées par de fines séparations. On obtient alors des surfaces colorées uniformes (comme des aplats), des délimitations extrêmement nettes entre les surfaces colorées et un fin maillage de traits de séparation. Ce rendu est recherché par les artistes et j’ai récemment découvert des affiches publicitaires représentant des musiciens ayant des photographies comme origine mais travaillées au pochoir pour l’aspect particulier que je viens de décrire.

Je n’insisterai pas sur le décor qui, chez C 215, joue un rôle important. Le travail au pochoir est complété à la bombe ou à la brosse et les « fulgurances » des éléments de décor et les fonds apportent du dynamisme à la représentation et concourt à mettre en relief les sujets par des oppositions chromatiques.

Le processus d’élaboration du projet me rappelle ceux de JR. La collaboration est en l’occurrence importante : choix de l’espace, choix des sujets, choix des photographies. L’artiste est au départ du projet, suit son élaboration et apporte sa maîtrise technique à la mise en œuvre.

 La fresque de la rue Pelleport, une œuvre citoyenne ?

Rue des Maronites, une petite rue perpendiculaire au boulevard de Belleville, une belle résidence de standing. Les copropriétaires de la résidence désespèrent de ce grand mur jouxtant l’entrée du parking. Ils ont alors la bonne idée de solliciter, en juillet 2014, 5 street artists pour réaliser une immense fresque. Seyb, Alex, Brok, Maniak et Hopare se partagent alors le mur et décident en accord avec les résidents de décliner un thème : celui du rêve.

J’avoue que lorsque j’ai découvert la fresque d’Hopare, j’ai cru voir une réminiscence de « La planète des singes », le film de Franklin J.Schaffner, plus précisément, le plan final. Un  superbe plan du film qui reste dans toutes les mémoires parce qu’il change la signification de la fiction. Le spectateur découvre que la planète sur laquelle le rapport homme-singe est inversé est notre bonne vieille Terre, dans un lointain futur apocalyptique. Seule la tête couronnée de la statue de la liberté d’Ellis Island, symbole des Etats-Unis, ruinée, émergeant du sable de la plage, transforme le film d’aventures en un film de science-fiction.

Bref, dans la fresque,  je retrouvai la tête de femme penchée et, autour de sa tête, des motifs décoratifs qui évoquaient la couronne de Bartholdi. La prégnance de l’image de la statue de la liberté est devenue à ce point iconique et forte dans mes souvenirs qu’une interprétation s’imposa à mon esprit : la fresque est une parabole de la puissance nord-américaine, impériale certes mais ayant des pieds d’argile. Pourtant, il eut suffi de mettre en lien les autres fresques du mur pour comprendre qu’elles étaient des illustrations de rêves.

 La fresque d’Hopare est un portrait de femmes. Un rêve de femme ou une femme de rêve. Le portrait d’une facture particulière. La ligne domine. Des lignes qui se coupent, qui se croisent de manière abstraite. Les espaces délimités par la ligne noire sont colorés de couleurs différentes mais en harmonie. A y bien regarder, en comparant les surfaces, celle du visage et celle des espaces abstraits, la part de l’abstrait domine. Curieux portrait hétérodoxe dans lequel le réalisme est étroitement marié à l’abstraction. Les motifs décoratifs sont nombreux et répétés apportant graphiquement des ruptures par rapport à la géométrie des lignes. Le trait noir très présent évoque le plomb des vitraux. Les diverses harmonies colorées dans lesquelles s’opposent avec délicatesse les couleurs froides et les plus chaudes donnent à l’œuvre une grande unité chromatique.

« Le rêve » d’Hopare est un exemple du travail d’Alexandre Monteiro, aka Hopare. Cette œuvre de 2014, illustre la démarche de l’artiste. Son identité esthétique est caractérisée par le trait. Dans une interview de mai 2013, invité à définir son style, il disait : « Un style abstrait et graphique. Je considère mon style pur et aiguisé, comme un diamant, avec une recherche du trait parfait ». Le trait, encore et toujours le trait. Pour décrire ses portraits, il employait dans la même entrevue de bien jolis mots : « Pour mes portraits, j’essaie de donner l’impression que je les ai réalisés avec de fins « rubans de soie » délimités par des « fils de nylon » noirs avec un maximum de détails ».

« Le rêve » reste encore aujourd’hui le manifeste de l’art d’Hopare. C’est assurément le street artist français le plus sensible à la beauté du trait qui parvient à imposer l’abstraction dans un art urbain traditionnellement attaché à la représentation. Il s’illustre dans l’art du portrait, des visages traversés de réseaux de lignes, d’une géométrisation de l’espace, d’une exaltation du trait noir fragmentant les visages et les corps, faisant chanter les couleurs.

Pour fêter les 10 ans d’Ourcq Living colors, son fondateur, Da Cruz, a invité des amis street artists à peindre rue Germaine Taillefer. Parmi les bons amis de Da Cruz, Marko93, dont nous avons, dans ces colonnes, commenté trois œuvres : sa Frida 1 et 2 de la rue de l’Ourcq et les félins peints sur les vitres du ministère de la Culture dans le cadre de l’exposition Oxymores.

Marko propose une fresque atypique et innovante. Elle couvre une grande surface du mur ; environ 5 mètres de haut (soit la hauteur du mur) sur plus de 20 mètres de large. Elle représente deux singes. Soyons précis deux bonobos. Pour les commodités du propos (et parce que ça m’amuse), je les appellerai Bono, le singe punk et Obo, le singe au sabre laser. Deux bonobos très différents : Bono est coiffé d’une iroquoise rouge, Obo a la tête ceinte d’un fil de fer barbelé. Les deux compères entretiennent des relations de sens. Elles tiennent à la situation : Bono montrant son front désigne aux spectateurs Obo comme un peu fou. Il est vrai que le fil  de fer barbelé entoure sa tête lui entaillant la peau. Dans sa main droite, la seule visible, il tient, tel DarkVador, un « sabre laser » (dont la hauteur du mur limite la longueur de la lame ! ). Obo est un singe noir dont la tête est plus claire. Quant à Bono, le bonobo punk, un peu noir, il est noir, comme tous les bonobos, mais aussi et surtout, bleu, rouge écarlate, orange, jaune, bleu ciel, et fluo. Sacrément fluo ! Je crois que toutes les couleurs fluo vendues dans le commerce sont présentes. Peu de traits communs : la forme des « visages » est différente, la taille, la posture, les couleurs. Bref, deux singes que tout oppose, le plus fou n’étant pas peut-être celui qu’on croit.

Si les enfants découvrant la fresque voient des singes, nous voyons deux personnages, « humains, trop humains ». Bono, nous le connaissons, il est déjà apparu dans le travail de Marko. Il était alors seul et sa coiffure arrachait des sourires. Va pour l’iroquoise ! Mais rouge pétant, portée fièrement par un gros mâle, c’est drôle. Obo fait ici son apparition dans l’œuvre de Marko. Le fils de fer barbelé renvoie à la couronne d’épines de Jésus montant au Golgotha. Le sabre laser et la posture de DarkVador sont une référence explicite à Marko lui-même qui se représente comme l’avatar de l’empereur du côté obscur de la Force, armé de son sabre de lumière.

Les interprétations restent ouvertes. Pourtant Marko, sur la gauche de sa fresque, fournit une piste en peignant en rouge : « Art is not dead ».  Suivons cette piste, avec précaution ! La fantaisie qui amène un peintre à affubler un singe d’une iroquoise rouge et un singe christique est-elle une démonstration de la puissance de l’art ? Dans cette hypothèse, la fresque serait une défense et illustration de la force de l’art capable de générer des images « qui n’existent pas » (« Et pourquoi pas », aurait dit Desnos). Somme toute, est-il étonnant qu’un artiste ait un avis sur l’art ?

J’en resterai, quant à moi, à cette lecture (autorisant cela va de soi, le lecteur à avoir une interprétation différente). La référence « gênante » est la couronne d’épines. Il convient de pondérer son importance : des plaies s’écoulent de superbes coulures aux « jolies »couleurs (jaune pâle, rose, bleu ciel). A la limite, pour les esprits compliqués (comme le mien), on peut remarquer que du barbelé blanc s’écoule des couleurs tendres, et non du « sang ». Magie de l’art qui peut transformer le martyre de Jésus en fête colorée.

Dans cette fresque, Marko réinvestit des techniques qu’il maîtrise depuis plusieurs mois et inaugure les petits calligraphes. Dans mes précédents billets, j’ai déjà évoqué l’utilisation des « calligraphes ». Ces formes décoratives, dérivées de l’alphabet arabe, sont utilisées ici de deux manières différentes : avec une buse large pour colorer les fonds, superposés aux calligraphes de fond, de très fins calligraphes aux formes moins calquées sur celles de l’écriture. Ces délicats et subtils entrelacs, couleur fluo, sont utilisés comme des rehauts.

Marko avance sans rien oublier. Dans sa boite à outils, il garde sa capacité de représentation réaliste, les calligraphes de fond, les coulures. Il ajoute des ornementations originales, comme de médiévales enluminures.